On Early Music

Durante muchos años, Francesco Tristano ha tenido una relación de amor con la música para teclado de los siglos XVI y XVII: de las majestuosas pavanas y ostinatos de Gibbons y Philips a las extraordinarias y virtuosas partitas de Frescobaldi y Sweelinck. “Tendemos a olvidar que toda música ha sido contemporánea en algún momento”, cuenta el pianista a Apple Music. “Siento que es fácil hacer que este repertorio clásico suene relevante hoy”. El plan original de Tristano era grabar un álbum de música de 450 años de antigüedad, inglesa, española e italiana. Al fin y al cabo, solo el hecho de tocarla en un piano Steinway moderno ya habría sido una novedad; gran parte sigue siendo desconocida y fue compuesta, en algunos casos, más de un siglo antes de que se inventara el piano. Pero, como ha sucedido con tantos proyectos musicales desde 2020, la pandemia le hizo cambiar de opinión. “Me di cuenta de que quería hacer algo más que un simple álbum de música clásica”, dice Tristano. “Quería que esta música fuera aún más valiosa para la actualidad”. Algunas composiciones, como “The Italian Ground” de Gibbons y “Aria la folia” de Frescobaldi, se interpretan nota por nota, tal y como fueron compuestas originalmente. En otras, Tristano presenta sus propias versiones, incluyendo “Galliard in D Minor” de John Bull y “Circumdederunt” de Cristóbal de Morales. “Son relecturas o versiones, le estoy dando otro giro a la música”, explica. También se encuentran sus impresionantes composiciones originales, que aparecen a lo largo del álbum. “Escribí estas piezas durante la pandemia, porque parte de mi reflexión sobre la música antigua era poder contar con un contexto contemporáneo para enmarcarla”, dice. “Pero al mismo tiempo, cada una de mis piezas tiene una progresión de acordes o una idea melódica tomada de la música clásica”. El resultado es un recital que arroja luz sobre obras maestras centenarias, uniendo lo antiguo y lo moderno mediante formas nuevas y emocionantes. Sigue este recorrido de la mano de Tristano, que nos guía por cada una de las pistas de este maravilloso trabajo. Toccata “Quería establecer el tono del álbum con esta pieza. La música antigua me parece muy inspiradora, y esa es la energía que trato de capturar aquí. Es una música que me hace sentir bien. Sí, está llena de lamentos, pero, aun así, sus armonías y su ritmo son fantásticos. Es divertida de tocar. De hecho, el término ‘toccata’ se refiere al ‘toque’ del teclado, que es con lo que trabajo en esta pieza”. On John Bull Galliard in D Minor “Me encanta el ritmo de esta gallarda. Me recuerda a un trovador o a un animador del Renacimiento. Me di cuenta de que la última parte es en realidad música pop, con una progresión de acordes que podrían haber escrito The Beatles. Entonces, decidí reproducirla en bucle y usarla en mi versión al final”. Fantasy in D Minor “Es una pieza increíble y enigmática, pero rara vez se interpreta y no creo haberla escuchado en otra grabación. Aquí empleo el pedal central del piano para crear resonancias. Me permite subir los amortiguadores en las notas bajas para que las cuerdas resuenen de forma natural. Al principio, improviso sobre un acorde de re mayor para expandir el sonido del instrumento y permitir que los sonidos viajen. Me parece increíble lo mucho que se dice en esta pieza en tan poco tiempo. Son solo dos minutos y medio, pero es como la historia de una vida. Tiene una apertura, un desarrollo y luego un signo de interrogación antes del cierre. Es una obra maestra en miniatura”. Serpentina “Aquí utilizo una cadencia musical especial llamada cadencia ‘Landini’ que, hasta donde yo sé, solo aparece en la música clásica. Pero en realidad esta pieza es un tema sencillo, con variaciones en las que pongo el ritmo en marcha. Configuro el tema y añado una capa rítmica tras otra, pero la estructura armónica subyacente, basada en cuartas y quintas, es siempre la misma”. Let ons met herten reijne “No creo que esta pieza haya sido grabada al piano con anterioridad, y aquí toco una transcripción que encontré en internet. La apertura es muy íntima y le he añadido reverberación. Una vez más, se trata de contar historias. También añadí una variación al final, solo 12 compases, por lo que es casi completamente original. Pero lo que me gusta de esta pieza es que tiene una verdadera progresión de energía desde la nota inicial que parece contenerlo todo. Incorporamos el sonido de los micrófonos de la sala al final, por lo que la pieza se abre a medida que avanza la narración”. On Girolamo Frescobaldi’s Quattro correnti “Frescobaldi es uno de mis compositores favoritos. Es tan extravagante, tan rítmico y virtuoso... Cada corrente se eleva respecto a la anterior. En un momento dado decidí añadir algo de ritmo, toques en el propio piano que pudieran escucharse. Toco el interior del instrumento, los bordones y el metal, y también la madera. Esta es la primera pieza en la que se puede escuchar un procesamiento complejo, con varias capas. En ella encontramos indicios de música medieval, de nuevo, como un trovador”. Aria la folia “Aquí también juego con la resonancia del piano. Y aunque en realidad solo toco dentro de las cuatro octavas y media, uso el registro de bajo para darle más cuerpo al piano. A veces parece que hay alguien más tocando, pero en realidad es solo la resonancia de lo anterior. En muchas de estas piezas resulta increíble la cantidad de historias que se narran en tan poco tiempo. En la música clásica contemporánea que escuchamos en la actualidad encontramos ocho minutos de un mismo sentimiento, pero, si miras atrás, encuentras estas pequeñas piezas, pequeñas joyas, donde se dice tanto en tan poco tiempo. Como si fuera un álbum completo”. Ritornello “El ritornello marca una especie de punto medio, hay un antes y un después. Hasta el momento, el álbum ha estado en re. Y, a partir de aquí, cambiamos a fa menor, donde añado bemoles y una sonoridad completamente diferente. El término ‘ritornello’ proviene de la época del Renacimiento y del Barroco, y se refiere a un coro que todos conocen y en el que todo el mundo canta. La primera parte es estable y constante, y luego se rompe con modulaciones”. On Cristobal de Morales Circumdederunt “Un compositor amigo mío me sugirió que incluyera algo de música española, y Morales es un compositor realmente interesante. Debo confesar que no lo conocía. Esta es una pieza que conlleva mucho estudio, ¡y para hacer esta versión utilicé casi todas las herramientas que tenía! El original es una pieza vocal, y quería que el piano tuviera esa cualidad vocal, así que usamos una herramienta de procesamiento llamada reverberación congelada, en la que la nota mantiene un sostenido continuo hasta que pasas al siguiente tono”. Pavan “Se trata de una pieza que he tocado durante al menos 20 o 25 años, y esta es una versión muy personal. Me encanta. Esta pavana es una obra maestra absoluta. La toco demasiado despacio para que pueda ser considerada una pavana, pero la armonía me parece sorprendentemente hermosa. Y también la encuentro muy contemporánea en cierto modo, como si Gibbons estuviera jugando con nuestros sentimientos”. Air & Alman “En realidad se trata de dos piezas, pero las puse juntas porque son muy breves. Una está en fa mayor y la otra en re menor. Así que tenemos una melodía breve, preciosa, seguida de un Alman muy atrevido, que toco muy rápido y con cierto espíritu rockero”. Italian Ground “‘Italian Ground’ la conozco de la grabación de Glenn Gould, que creo que hizo en la década de 1960. Armónicamente hablando es muy rock and roll. Es un ‘fondo’, lo que significa que la estructura se repite. Y luego, de repente, aparece una nueva sección, una sorpresa. Comienza muy alegre, pero se rompe tras las dos primeras ejecuciones y piensas: “Eso no me lo esperaba”. Dejo ese cambio muy claro en este trabajo y me tomo mi tiempo con la modulación. Es como trasladarse a un mundo diferente”. Ground “Este ostinato es quizás más típico de Gibbons en términos de polifonía y del trato equilibrado de las manos. Pero, de nuevo, es muy, muy hermoso y muy sencillo, con un tema en la menor que se desarrolla en un conjunto de variaciones. Esta pieza fue parte también de mi aprendizaje con el piano”. Ciacona seconda “La idea era utilizar la forma de la chacona, con su línea de bajo repetida, y darle un toque contemporáneo. Lo bueno de esta línea de bajo es que está tomada de Frescobaldi: consta de siete compases. Así, cada vez que crees que estás terminando el ciclo, en realidad no has llegado al final. En la última parte uso una herramienta que ha sido prohibida en la música clásica: ¡el fundido! Pero el fundido o fade-out aquí es perfecto, porque significa que la música no se detiene. Pensé que era bueno tener al menos una pista en la que la música continuase”. Cento partite sopra passacaglie “Esta es una de las composiciones para teclado más complejas de Frescobaldi. Podría decirse que es la primera vez en la historia de la música en la que el término 'cien' se emplea como una especie de deporte o desafío al virtuosismo. Por supuesto, no hay 100 variaciones en esta pieza, pero a mí me parece una composición fantástica, al nivel de Bach o Xenakis o cualquiera que consideremos un gran compositor. Lo asombroso es el flujo de tonalidades. Después de cada ciclo, avanza con una nueva tonalidad y un nuevo comienzo, un nuevo capítulo. En realidad, esta pieza es la última pista, porque la siguiente, ‘Aria for RS’, es la coda del álbum”. Aria for RS “‘Aria for RS’ está dedicada a un amigo. La escribí cuando me enteré de que estaba enfermo y quería desearle lo mejor. Así fue como compuse esta sencilla melodía. Muchos compositores barrocos y prebarrocos utilizaron el aria como técnica de teclado, y yo quería algo que fuese dulce y agradable para terminar el álbum. El orden de las otras piezas del disco fue más aleatorio, pero siempre tuve claro que esta iba a ser la última pista”.