Roots

C’est en 2020, au plus fort du mouvement Black Lives Matter, que Randall Goosby, violoniste formé à la Juilliard School de New York, a élaboré l’idée de son premier album. Intitulé Roots, celui-ci célèbre la musique de compositeurs Noirs tels que William Grant Still, Florence Price et Samuel Coleridge-Taylor, ainsi que de créateurs inspirés par la culture afro-américaine, comme Gershwin et Dvořák, dont une grande partie des œuvres est imprégnée du langage musical des negro spirituals. « Avoir la chance de se plonger dans cette musique a été un processus assez apaisant », raconte Goosby à Apple Music. « J’ai songé aux difficultés et aux défis auxquels certains compositeurs ont dû faire face dans les années 1940 et 1950, et même bien avant dans le passé. Les obstacles qu’ils ont dû surmonter défiaient mon imagination. » Le monde de la musique classique s’éveille enfin à une partie de son patrimoine restée trop longtemps inexplorée, et Roots montre la direction à suivre. Rien que pour Florence Price, on compte ici pas moins de trois enregistrements en première mondiale. Première femme afro-américaine à avoir vu sa musique interprétée par un grand orchestre symphonique, elle a composé des œuvres mêlant spirituals et formes classiques traditionnelles, aux effets envoûtants. On y entend également William Grant Still, à l’avant-garde de la Renaissance de Harlem au début du XXe siècle, et Coleridge-Taylor Perkinson, dont la polyvalence l’a mené à composer des arrangements pour Harry Belafonte et à travailler avec Igor Stravinsky, l’influent compositeur russe. Un exceptionnel duo pour violon et violoncelle écrit par le célèbre contrebassiste Xavier Dubois Foley donne le coup d’envoi de ce merveilleux album de manière tout aussi irrésistible, avec son mélange de jazz, de bluegrass, de hip-hop, de Bach, et plus encore. « Je voulais célébrer les vies et les expériences de ces compositeurs, et, bien évidemment, leur musique », explique Goosby. « Mais je voulais aussi leur rendre hommage car, selon moi, ce sont eux qui ont ouvert la voie pour que des jeunes artistes de couleur comme moi se sentent libres et légitimes dans la poursuite d’une carrière, ou d’une vie en général, dans la musique classique. Ce n’est qu’une petite goutte d’eau dans l’océan, mais un océan qui se remplit lentement et sûrement d’expériences, de perspectives et de traditions différentes. J’ai l’espoir que nous pourrons tous apprendre à nous apprécier et à nous aimer un peu plus avec le temps. » Ci-dessous, Goosby nous guide à travers chaque pièce de son captivant premier album. Shelter Island « Il me semblait important d’inclure une voix contemporaine dans l’album. Xavier [Dubois Foley] et moi sommes amis depuis plus d’une décennie. Nous nous sommes rencontrés pour la première fois au concours Sphinx, qui vise à promouvoir et à célébrer la diversité dans la musique classique. Peu de temps après, nous nous sommes retrouvés au Perlman Music Program [programme d’été pour jeunes musiciens talentueux] qui se déroule sur Shelter Island, d’où le nom de cette pièce. Elle contient des influences et des inspirations venant de toutes les directions – c’est une œuvre vraiment stimulante, idéale pour débuter l’album. » Blue/s Forms « Coleridge-Taylor Perkinson est un compositeur que peu de gens connaissent, parce qu’il ne s’est pas contenté d’être un compositeur “classique”. Il a fait un peu de tout, des partitions de ballet à de la musique pour le cinéma et la télévision. [Le violoniste classique] Sanford Allen était un de ses amis proches, et j’ai eu l’honneur de travailler avec M. Allen, via Zoom, sur une partie de ce morceau. C’était formidable de découvrir un peu plus son approche et de réaliser à quel point le rythme dans cette musique est important. Le blues est l’un des premiers points de départ de ce que nous appelons aujourd’hui la musique américaine. Et je pense qu’il est fort probable, à travers tous les genres musicaux, qu’une grande partie de la musique populaire soit le résultat d’un effet de ruissellement qui a commencé avec la musique Noire, sous les formes des spirituals d’abord, puis du blues et du jazz par la suite. » Porgy and Bess « Bien que n’étant pas Noir, Gershwin est souvent évoqué dans les conversations sur la musique Noire américaine car il a été directement influencé et inspiré par la musique Noire pour son opéra Porgy and Bess. Une fois l’opéra terminé et après l’avoir vu sur scène, George Gershwin et son frère Ira ont insisté pour qu’il soit interprété par des chanteurs Noirs, c’est-à-dire par les gens sur lesquels et pour lesquels il avait été écrit. Ce degré de respect et d’admiration pour la musique et pour la culture est très significatif. La transcription de ces morceaux a été réalisée par le grand violoniste Jascha Heifetz, une de mes principales idoles et inspirations lorsque j’étais jeune violoniste. » Suite for Violin and Piano « Le surnom de cette pièce est “Mère et enfant”, qui est le titre du mouvement central. J’y suis fortement attaché, en raison du rôle que ma mère a joué dans ma vie et dans mon cheminement. Ces 20 dernières années, elle a pratiquement toujours été à mes côtés, que ce soit pour prendre des notes ou pour filmer un cours. Chaque mouvement de cette pièce est une représentation musicale d’une œuvre d’art réalisée par un artiste de la Renaissance de Harlem, le réveil artistique de la culture Noire dans les années 1920. Ainsi, outre la signification personnelle que revêt pour moi ce mouvement central, cette suite témoigne aussi de l’époque et du lieu où [le compositeur de cette œuvre] William Grant Still vivait et travaillait. » Adoration « “Adoration” est un morceau vraiment spécial pour moi. C’est une musique incroyable que, selon moi, toute personne ayant du cœur trouvera magnifique. Il n’y a pas de fioritures, rien de superflu : juste de la belle musique. Price a écrit cette pièce à l’origine pour l’orgue, et, naturellement, elle chante d’une manière que j’apprécie beaucoup. C’est une musique qui vous fait vous sentir bien. » Fantaisie n°1 en sol mineur « La “Fantaisie en sol mineur” s’ouvre sur cette sorte de récitatif incroyablement dramatique et virtuose, avec le piano ajoutant des accords comme de petits commentaires. L’ouverture semble dire : “Hé, regardez-moi. Je suis là. Voilà ce que je peux faire.” Et tout d’un coup, on entre dans cette section centrale pleine de rythme, telle une danse. Puis, en un tour de main, on revient à cette chanson folklorique spirituelle, avec une texture très vocale. Avec le pianiste de l’album, Zhu Wang, nous nous sommes beaucoup amusés à faire des allers-retours. » Fantaisie n°2 en fa dièse mineur. « Dans la "Deuxième Fantaisie", Price fait référence à une chanson spécifique, un negro spiritual que sa grand-mère lui a transmis et qui s’intitule “I’m Working on My Building”. Je pense que ce sont la liberté et le ton personnel de cette mélodie qui la rendent si spéciale. On ressent aussi ici le style et la tradition orchestrale du romantisme tardif – je pense à Richard Strauss ou à Tchaïkovski à certains endroits. Et puis, on se retrouve soudainement dans une pièce charmante, pleine de rebondissements et d’interactions entre violon et piano. C’est une œuvre extrêmement variée. » Deep River (Arr. Maud Powell pour violon et piano) « “Deep River” est probablement l’un des spirituals les plus souvent adaptés, et Coleridge-Taylor en a fait un arrangement pour piano. Cette transcription pour violon et piano, cependant, a été réalisée par une violoniste prolifique du début des années 1900, Maud Powell, qui s’est fait connaître pour son admiration et son soutien aux compositrices afro-américaines. Elle a rassemblé toute une collection de transcriptions et d’arrangements de compositeurs Noirs, qu’elle a connus à son époque et qui ne sont pas nécessairement entrés dans les livres d’histoire. » Sonatine pour violon en sol majeur, Opus 100, B. 120. « Il y a beaucoup d’esprit dans cette pièce. Ce n’est pas la musique la plus intriquée ou compliquée de Dvořák, qui l’a écrite pour être jouée par ses propres enfants - l’un était violoniste et l’autre pianiste. Je pense donc qu’elle contient beaucoup de cette énergie enfantine et juvénile caractéristique. Dans les années 1890, Dvořák dirigeait le National Conservatory of Music of America de New York, qui était le seul conservatoire de ce type à admettre des Noirs et des femmes en tant qu’étudiants. Dvořák a eu l’occasion unique de s’immerger dans la musique des traditions Noires tout comme dans les mélodies folkloriques des Amérindiens, que l’on peut entendre en filigrane, tout au long de cette pièce, en particulier dans son deuxième mouvement. »